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Virtuosismo eclipsado por el ruido curatorial.

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By: Kary Fernández

Mi conflicto con el arte conceptual no nace de una postura conservadora ni de una nostalgia romántica por el óleo antiguo; nace de algo mucho más incómodo: la evidencia constante de que, bajo ciertos discursos curatoriales, prácticamente cualquier objeto puede ser elevado a categoría de obra sin que medie rigor técnico, oficio o siquiera una mínima exigencia estética. Ya saben que amo hablar con poca diplomacia del “elefante en la sala”!

El problema no es la experimentación, no!, el arte siempre ha necesitado riesgo, sino la facilidad con la que el mercado, la crítica complaciente y la difusión acrítica convierten ocurrencias en “piezas” legitimadas. Cuando un cúmulo de objetos cotidianos, una pared intervenida sin intención plástica o una instalación sin dominio formal se presentan como genialidad incuestionable, la conversación deja de girar en torno a calidad y se desplaza hacia narrativa, networking o hype.

Aquí no se cuestiona el derecho a producir arte conceptual; se cuestiona el monopolio simbólico que muchas veces pretende imponer sobre otras disciplinas. La pintura, la escultura académica, el grabado o cualquier práctica que exige años de entrenamiento quedan relegadas a una especie de museo de técnicas “tradicionales”, mientras el espectáculo de lo inmediato se lleva titulares, presupuestos y espacios de exhibición.

Ahí aparece la incomodidad central: la falta de criterios compartidos. Sin nociones básicas de historia del arte, composición, materialidad y técnica, cualquier espectador… y peor aún, cualquier comprador… queda vulnerable a aceptar como extraordinario aquello que simplemente fue bien narrado. Tom Hoving, quien dirigió el Metropolitan Museum of Art, lo dijo sin rodeos: “El arte es, ante todo, cuestión de calidad”. Esa frase, aparentemente obvia, hoy resulta casi subversiva.

La difusión masiva sin alfabetización visual ha generado un ecosistema donde la legitimidad se mide por presencia mediática más que por mérito. Se viraliza la pieza fácil de fotografiar, la instalación que genera polémica o el gesto que cabe en un titular. Mientras tanto, artistas con décadas de oficio, virtuosos del dibujo, maestros del color, escultores con dominio absoluto del volumen y toda métrica, quedan opacados por la economía de la atención.

Aquí se insiste (insisto!) en que el problema no es el concepto, sino la ausencia de exigencia. El concepto sin ejecución sólida es apenas una idea. El arte, en cambio, debería resistir el análisis desde múltiples frentes: técnico, histórico, formal y simbólico. Cuando cualquiera puede colgar cualquier cosa y blindarla con un texto curatorial impenetrable, el sistema pierde credibilidad.

Avelina Lesper ha sido particularmente incisiva al respecto al afirmar que “el arte contemporáneo ha renunciado a la calidad”. Más allá de que la frase incomode a muchos, señala un fenómeno real: la normalización de la mediocridad cuando ésta se presenta con suficiente aparato discursivo. No se trata de negar la contemporaneidad, sino de exigir que el presente también produzca excelencia verificable.

Para mí, el verdadero daño no es estético, sino estructural. Los recursos: espacios, becas, difusión, coleccionismo… son finitos. Cada vez que se asignan a propuestas sin sustento técnico, se reduce la posibilidad de impulsar carreras de artistas que sí poseen maestría. No es un debate elitista; es una discusión sobre meritocracia cultural.

Tener nociones de arte no significa convertir al público en historiadores especializados, sino dotarlo de herramientas mínimas para distinguir entre intención y logro. Saber observar línea, proporción, textura, composición o dificultad técnica permite cuestionar con fundamento y no sólo reaccionar al discurso dominante.

El arte conceptual puede coexistir con las disciplinas tradicionales, pero no debería eclipsarlas mediante la banalización del criterio. Cuando la ignorancia cultural se vuelve tendencia global, el riesgo es que las nuevas generaciones crean que el virtuosismo es irrelevante o, peor aún, que el esfuerzo prolongado carece de valor.

El conflicto que tengo con este tipo de seudo-arte, en última instancia, no es contra la idea contemporánea, sino contra la pereza intelectual que acepta cualquier cosa como arte sin exigir excelencia. Defender el oficio no es retroceder; es asegurar que la conversación artística no se convierta en un ejercicio de relaciones públicas, sino en una evaluación honesta del talento que verdaderamente expande los límites de la disciplina.

Just saying…

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“HOY PASAMOS A LA ACCIÓN”: NACE AYUPADI PARA ACOMPAÑAR Y DEFENDER LOS DERECHOS DE LAS PERSONAS CON DISCAPACIDAD

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Víctor González Dr. Simi realiza una aportación inicial de un millón de pesos y AyuPADi anuncia orientación legal, social, educativa y laboral, además de descuentos en Farmacias Similares.

La Asociación Nacional para Ayudar a las Personas con Discapacidad (AyuPADi) busca orientar y acompañar a quienes viven con discapacidad motriz, sensorial, intelectual o mental, promoviendo sus derechos, su bienestar emocional, su inclusión social y una mejor calidad de vida.

La sesión informativa, convocada por Víctor González Dr. Simi, tuvo como finalidad compartir experiencias y, sobre todo, sentar las bases de una comunidad más inclusiva y solidaria.

Las encargadas de conducir este evento, que convocó a más de mil 500 personas, fueron las periodistas Tere Aviña y Bárbara Anderson, quienes viven la discapacidad desde distintos ángulos.

La participación de Víctor González Dr. Simi llegó con un mensaje:

“AyuPADi es una institución que quiero mucho y que fue creada para ayudar incondicionalmente a las personas con discapacidad, que son como mis hermanos. Así que mi primera aportación es de un millón de pesos”.

Bárbara Anderson y Tere Aviña dieron la bienvenida al ensamble inclusivo “Cem Paqui”, conformado por niños y adolescentes con y sin discapacidad, así como a los testimonios de atletas paralímpicos, actores, familiares y conferencistas.

“Quienes vivimos la discapacidad sabemos que no es un problema sólo de diagnóstico; también están las barreras, las puertas cerradas y el costo de su atención. Pero tenemos derechos, y por eso surge AyuPADi, para que una persona que no sabe a dónde ir encuentre comunidad. Hoy pasamos a la acción con esta institución que se encargará de defender y acompañar”, mencionó Bárbara Anderson.

Por su parte, Luz Blanchet destacó la importancia de contar con información y atención oportuna:

“La falta de conocimiento y de diagnóstico y atención oportuna complica las cosas, y entiendo a las madres que han tenido que hacer de todo por sus hijos. Son excelentes mamás. Pero, gracias a personas como Víctor González Dr. Simi por ayudarnos con nuestra misión”.

Durante el encuentro también se compartieron testimonios que reflejan la importancia de la inclusión y de abrir nuevas oportunidades para las personas con discapacidad.

“Vivo con autismo leve y los médicos aseguraban que no iba a poder nadar ni correr ni hacer deporte. Ahora soy campeona paralímpica en natación. Así que la discapacidad me ha dado mucho, gracias Víctor González Dr. Simi por sumarse a la inclusión”, agregó Mildred Italia Sanabria, atleta paralímpica.

Acompañamiento y beneficios

Los afiliados obtendrán desde orientación legal gratuita, hasta orientación social, educación y capacitación laboral, así como descuentos de 10 % en Farmacias Similares, entre otros beneficios.

El registro es mediante la página www.ayupadi.org.mx y sólo es necesaria información básica como nombre, domicilio, edad y persona de apoyo.

Con esta iniciativa, AyuPADi busca consolidarse como un espacio de acompañamiento y orientación para las personas con discapacidad y sus familias, promoviendo una comunidad más inclusiva, solidaria y consciente de sus derechos.

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Del influencer al algoritmo.

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Ahora hay que convencer a humanos y a las IA´s

Durante años entendimos perfectamente el juego de los influencers: una marca elegía a alguien con una comunidad interesante, le mandaba un producto, armaban una colaboración y esperábamos que miles (o millones) de personas lo vieran. Hasta ahí, todo bastante claro, estaba todo en orden.

Pero ahora apareció un nuevo espectador que no da likes, no comenta y tampoco comparte historias: la inteligencia artificial.

Y esto empieza a cambiar las reglas.

Pensemos en algo muy sencillo. Antes, si queríamos encontrar «los mejores restaurantes para cenar en Ciudad de México», probablemente entrábamos a Google, revisábamos algunas notas, Instagram, TikTok y terminábamos preguntándole a ese amigo que siempre sabe dónde comer.

Hoy preguntamos directamente a una IA, usamos lo que se conoce como SGE (Search Generative Experience).

¿De dónde obtiene información para responder?

Ahí está lo interesante.

Los sistemas de inteligencia artificial construyen respuestas utilizando diferentes fuentes disponibles en internet. Medios, páginas especializadas, sitios oficiales, foros y contenido publicado por creadores contribuyen a formar esa red de información.

Por eso algunas agencias ya están comenzando a pensar las colaboraciones con creadores no solamente en términos de cuántas personas verán el contenido, sino también en cuánto puede aportar ese contenido a la visibilidad digital de una marca.

Es como organizar una buena fiesta. Antes nos preocupábamos principalmente por llenar el lugar. Ahora también importa quién estuvo, qué dijo después y qué conversación quedó alrededor del evento.

Para las relaciones públicas y generadores de contenido esto resulta especialmente interesante.

Una entrevista con un CEO, una reseña auténtica de un producto, la visita de un creador a un hotel o una conversación especializada sobre determinada marca pueden tener una vida mucho más larga que las 24 horas de una historia de Instagram.

Estamos pasando del influencer marketing a la influencia como red y eso obliga a cambiar las métricas.

Los likes siguen importando, pero tendremos que mirar también autoridad, búsquedas, menciones, reputación, conversación y qué tanto aparece una marca dentro de respuestas generadas por IA.

Imaginemos que una firma de relojes trabaja durante un año con diez creadores especializados en relojería. Quizá ninguno tenga cinco millones de seguidores. Pero publican análisis detallados, comparativas y contenido que otras personas consultan y citan.

¿Quién genera mayor valor: la celebridad que consiguió 500 mil likes en una fotografía o los diez especialistas que ayudaron a convertir esa marca en referencia dentro de su categoría? «Que en otra nota hablaremos de las grandes diferencias entre influencers, voceros, embajadores y lideres de opinión.»

La respuesta ya no es tan sencilla.

Y ahí encuentro una oportunidad enorme para marketing y relaciones públicas.

Dejar de contratar audiencias y empezar a construir autoridad, nombre, reputación en un nicho.

Porque el siguiente gran influencer quizá no sea una persona, puede ser un algoritmo tratando de decidir qué recomendarle a millones de ellas.

Y para aparecer ahí, primero tenemos que asegurarnos de tener algo relevante que decir.

Edgar Cleto es colaborador editorial, estratega de relaciones públicas y coolhunter. Su trabajo conecta comunicación, tendencias, negocios e industrias creativas para analizar cómo las ideas, las marcas y la cultura construyen relevancia.

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FROM WEST TO EAST: 30 AÑOS DE UN LEGADO EN MOVIMIENTO

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A tres décadas de su nacimiento, Chester & Peck celebra su historia con una colección que recorre los territorios que han construido su identidad. Para Otoño/Invierno 2026, la firma mexicana reinterpreta su legado a través de una mirada contemporánea donde la tradición, el oficio y la elegancia atemporal encuentran un nuevo lenguaje.

TODO TIENE UN INICIO

Corría la década de los 90 cuando un grupo de creativos de El Palacio de Hierro imaginó una marca inspirada en la campiña inglesa y la tradición de la sastrería británica, reinterpretadas para el hombre mexicano.

Así nació Chester & Peck, con una propuesta que encontró sus primeros códigos en la vida al aire libre, la sastrería y una manera relajada de entender la elegancia.

En otoño de 1996, la primera boutique abrió sus puertas en El Palacio de Hierro Durango, en Ciudad de México. Concebida inicialmente como una marca masculina, un año después incorporó su propuesta femenina, ampliando un universo que con el tiempo sumaría nuevas categorías, materiales y siluetas.

Tres décadas después, permanece una misma convicción: crear piezas capaces de trascender las temporadas y convertirse en nuevos clásicos.

FROM WEST TO EAST

Desde esa historia nace la colección Otoño/Invierno 2026, From West to East.

Un recorrido que comienza en los paisajes rurales americanos, atraviesa la campiña británica y llega a la sofisticación académica de la Costa Este estadounidense. Tres territorios unidos por una misma idea: la funcionalidad puede convertirse en identidad y la sofisticación puede surgir de manera natural.

Way to West encuentra inspiración en la vida rural y el oficio artesanal. Tejidos robustos, texturas y siluetas resistentes construyen prendas hechas para acompañar el movimiento y adquirir carácter con el tiempo.

Countryside reinterpreta la tradición ecuestre y la sastrería británica desde una mirada contemporánea. Abrigos envolventes, tejidos heritage y proporciones relajadas hablan de una elegancia silenciosa, profundamente conectada con el paisaje.

En 5 O’Clock, los códigos de la academia clásica se encuentran con una sastrería más relajada y materiales nobles. Una propuesta donde vestir también significa conocer, reinterpretar y hacer propia la historia.

LEGACY MOVES FORWARD

A lo largo de 30 años, Chester & Peck ha construido una estética que no depende de las tendencias, sino de aquello que permanece.

From West to East celebra precisamente esa permanencia: un legado que evoluciona sin perder su esencia y que encuentra en cada generación una nueva forma de expresarse.

Porque las mejores prendas no siguen tendencias. Construyen memoria.

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