El artista español presentó su exposición en el Presidente InterContinental Mexico City, en un encuentro donde la expresión artística, el diseño y la sofisticación se dieron cita alrededor de una misma propuesta.

El arte tiene una manera particular de transformar los espacios y despertar emociones sin necesidad de palabras. Así se vivió la noche del 11 de noviembre en el Presidente InterContinental Mexico City, en Polanco, que abrió sus puertas para celebrar la inauguración de El murmullo de la luz, una exposición del artista español Carlos Albert.

En un ambiente donde la cultura y la elegancia encontraron un punto de encuentro, la velada tuvo como protagonista a la escultura y a la capacidad de los materiales para dialogar con la luz, el espacio y la mirada de quien los contempla.

El título de la exposición resulta especialmente evocador. El murmullo de la luz propone una reflexión sobre ese elemento que, aunque intangible, tiene la capacidad de revelar formas, acentuar volúmenes y transformar por completo la percepción de una obra. En el universo escultórico, la luz no es únicamente un recurso visual: se convierte en parte de la experiencia, en un elemento que acompaña cada ángulo y descubre nuevas perspectivas.

La propuesta de Carlos Albert invita precisamente a detenerse en esos detalles. Su trabajo encuentra en la escultura un lenguaje para explorar la relación entre forma y espacio, permitiendo que cada pieza tenga una presencia propia y genere distintas sensaciones en el espectador.

La presencia del artista español durante el cóctel de inauguración añadió un matiz especial a la celebración, convirtiendo la ocasión en una oportunidad para acercarse a su universo creativo y compartir una noche alrededor del arte.

La elección del Presidente InterContinental Mexico City como escenario aportó el marco perfecto para esta cita cultural. Ubicado en una de las zonas más emblemáticas de la capital, el hotel volvió a abrir espacio a una propuesta donde el arte contemporáneo y el estilo de vida cosmopolita convergen de manera natural.

El verdadero encanto del arte está en aquello que permanece después de contemplarlo: una imagen, una sensación o una pregunta que continúa acompañándonos. Y esa es, quizá, la esencia de El murmullo de la luz: recordarnos que incluso aquello que no podemos tocar puede dejar una huella profunda.

Una noche dedicada a la creación, la sensibilidad y la belleza de encontrar nuevas formas de mirar.

Con The God Series: Capítulo Uno, México, el artista estadounidense Giovanni DeCunto lleva su exploración sobre la divinidad hacia las culturas mexica y maya, en una colección donde el arte contemporáneo dialoga con la historia y la identidad mexicana.

¿Qué convierte a una figura, una idea o un símbolo en algo digno de veneración? Esta pregunta ha acompañado durante años el trabajo de Giovanni DeCunto y es también el punto de partida de The God Series, una colección de 22 obras en las que el artista explora aquello que la sociedad coloca en un lugar casi divino.

Ahora, esa búsqueda encuentra un nuevo escenario en México. Bajo el título The God Series: Capítulo Uno, México, DeCunto dirige su mirada hacia las antiguas civilizaciones mexica y maya, retomando algunas de sus deidades y llevándolas a su propio lenguaje pictórico. El resultado es un encuentro entre distintas épocas y formas de entender lo sagrado, donde la iconografía prehispánica se integra con los símbolos que han definido su trayectoria artística.

La colección reúne tres obras principales dedicadas a deidades de estos panteones, en las que el imaginario ancestral mexicano adquiere una lectura contemporánea. No se trata únicamente de representar figuras históricas, sino de establecer un diálogo entre sus significados y las preguntas que han dado forma a la serie desde sus inicios.

Detrás de estas piezas también existe una técnica muy particular. Durante más de cinco décadas, DeCunto ha desarrollado una forma de pintar que prescinde de los pinceles tradicionales. Trabaja directamente con acrílico del tubo y utiliza sus propias manos para aplicar el color, construir texturas y dar movimiento a sus composiciones. Las obras de este capítulo fueron realizadas en su estudio de Boston, antes de su llegada a México, donde ahora presenta el resultado de esta exploración.

La propuesta también encuentra un punto de conexión con el universo de la destilación mexicana a través de su colaboración con Tequila Reserva Don Armando, de Grupo Corona. Ambos proyectos comparten una relación estrecha con el trabajo manual, el conocimiento del oficio y el tiempo que requiere cada proceso. Por un lado, el jimador trabaja el agave en Tonaya, Jalisco; por otro, el artista transforma el color y la materia en una pieza pictórica. Dos disciplinas distintas que coinciden en el valor de crear con las manos.

Originario de Lawrence, Massachusetts, Giovanni DeCunto cuenta con una trayectoria reconocida en el panorama artístico estadounidense. Su obra forma parte de importantes colecciones institucionales, entre ellas las del Museum of Fine Arts de Boston, el Smithsonian y el Fogg Museum de la Universidad de Harvard.

Con The God Series: Capítulo Uno, México, el artista incorpora una nueva dimensión a una investigación que ha acompañado su carrera durante años. Esta vez, México se convierte en el territorio desde el cual explora la relación entre arte, identidad y espiritualidad, acercándose a un legado cultural que continúa presente en la memoria colectiva.

Una propuesta que invita a mirar las antiguas deidades desde otra perspectiva y a reconocer cómo el arte contemporáneo puede encontrar nuevas formas de dialogar con la historia.

Artists’ Container

Bajo la curaduría de Luis Manuel Perea, Espacio Báltico presenta Un valle de lágrimas, una exposición colectiva que reúne el trabajo de Allegra Hangen, Ana Sofía Esteva, Elisa Malo, Manuela Riestra, Marta Moreno, Mónica Figueroa y So Cabrera.

A través de pintura, escultura, textiles, instalación, performance, fotografía y dibujo, las artistas abordan el llanto desde distintas perspectivas, que van de las experiencias personales a cuestiones sociales y políticas.

La exposición parte de una idea: las lágrimas no necesariamente representan tristeza. También pueden expresar rabia, alegría, resistencia o convertirse en el punto de partida de un proceso creativo.

Entre las propuestas se encuentran una pieza de concreto grabado con láser de Allegra Hangen, que aborda el desplazamiento geopolítico y la propaganda digital; los dispositivos de Manuela Riestra, que activan una luz al entrar en contacto con una lágrima; y el trabajo textil de Marta Moreno, que cuestiona los estereotipos asociados al bordado y a la expresión de las emociones. Por su lado, Ana Sofía Esteva explora aquello que sentimos pero no siempre conseguimos expresar, mientras que Elisa Malo aborda las lágrimas desde la memoria y las experiencias personales. Mónica Figueroa las relaciona con el paisaje y los tiempos de recuperación emocional, y So Cabrera plantea el llanto como una forma de resistencia.

El título de la muestra hace referencia al valle como un territorio transformado por el paso del agua, una imagen que permite pensar cómo las emociones dejan huella. La muestra también cuestiona la asociación tradicional entre vulnerabilidad y feminidad, y propone entender el llanto como una experiencia humana que no pertenece a un género.

Un valle de lágrimas estará abierta hasta el 1 de noviembre de 2026 en Espacio Báltico, ubicado en Mar Báltico 24, colonia Popotla, Ciudad de México. La entrada es libre y las visitas se realizan con cita previa.