ART & CULTURE
SWALD HUERTA; NO AL APOYO A CULTURA
Existen expresiones integradas de forma irreflexiva en nuestro vocabulario cotidiano; modismos deterministas que distorsionan la realidad. Un ejemplo claro es la frase «por amor al arte», la cual, para la mayoría, se ha convertido en un sinónimo injustificado de «gratis».
Nada más equívoco ni más perjudicial, no solo para la comunidad artística, sino para la estructura económica e intelectual de una nación. Pretender que la falta de valoración del arte es una deficiencia inherentemente «cultural» o inevitable es una premisa falsa.
Hablemos con claridad: el modelo institucional tradicional ha perpetuado una visión asistencialista. Históricamente, las estructuras gubernamentales suelen subordinar la cultura al subsidio momentáneo, pues un sector creativo independiente, autosuficiente y con pensamiento crítico exige un nivel de rigor y madurez social que incomoda a la burocracia. De ahí la narrativa circular de «no hay presupuesto para el arte», «faltan apoyos» o «lanzamos convocatorias de ayuda». Frases paternalistas que adoctrinan al inconsciente colectivo para asumir la precariedad del artista como una norma inevitable. Falso.
Las grandes economías, los países con visión soberana y el desarrollo internacional consolidado entienden una verdad categórica: el arte no se apoya; el arte se financia, se impulsa y se rentabiliza. Las industrias creativas generan un porcentaje crucial del PIB global mediante estrategias integrales que transforman la identidad y el talento en activos de alto valor. El secreto jamás ha sido la caridad, sino el desarrollo estratégico, la retribución justa, la inversión privada y la generación de dividendos. La labor artística exige preparación rigurosa, tiempo, dominio técnico y producción… y la producción tiene un costo tangible.
Cuando usted consulta a un médico, a un abogado o contrata a un arquitecto, no le pide un «apoyo» con sus honorarios, ni asume que contratar sus servicios es un acto de beneficencia. ¿Por qué habríamos de menospreciar el trabajo del artista bajo el velo del «apoyo»? El arte se paga. Punto.
Desde Culturalmente Responsable A.C. trabajamos para que la labor artística sea profesionalizada, remunerada y amplificada. Construimos puentes sólidos entre la capacidad creadora y el sector empresarial, alineando ambos mundos en un esquema de beneficio mutuo. La función del arte jamás es meramente ornamental; es un catalizador del espíritu humano y un motor de cohesión. Bien encauzado, eleva el entorno, genera identidad, inspira memoria y optimiza el clima social. Estamos convencidos de que la alianza entre artistas y empresarios consolida corporativos más sólidos, colaboradores más comprometidos, esquemas de convivencia más sanos y una sociedad con mayor criterio y sofisticación.
Aspiramos a una sociedad que no le tema al arte ni a la potencia económica y humana que de él emana. Una sociedad que reconozca al creador no como un sujeto de asistencia gubernamental, sino como un socio estratégico en una relación de igual a igual. Un intercambio justo donde la colaboración detone rendimiento económico, valor social, desarrollo patrimonial, posicionamiento y utilidad real. Es momento de evolucionar la narrativa: erradiquemos la palabra «apoyo» y hablemos de alianzas estratégicas, inversión, desarrollo conjunto y cooperación de alto impacto.
En la próxima entrega abordaremos cómo su empresa puede acelerar su crecimiento mediante la Responsabilidad Cultural Empresarial y la obtención del distintivo EMCRE® (Empresa Culturalmente Responsable). Mientras tanto, mantengamos el principio firme: el arte no se apoya.
www.culturalmenteresponsable.org
IG: @culturalmente_responsable
LinkedIn: Culturalmente Responsable AC
Artists’ Container
El curador independiente es parte del comité del Tercer Corte, el salón de arte contemporáneo que ocupa el sexto piso de un centro comercial en Querétaro.
Luis Manuel Perea no cree que una exposición deba defender una sola idea. Con alrededor de 200 artistas en un mismo espacio, dice, sería imposible y poco interesante que todas las obras respondieran a la misma tesis. Esa es la base de su trabajo en el Tercer Corte de FILO, que se presenta hasta el 8 de noviembre en el sexto piso del Álamos Lifestyle Center by Kiva, en Querétaro.
Perea es curador independiente. Llegó a FILO por una invitación de Sebastián Isla y Sofía Ramírez, los fundadores, para integrarse al comité curatorial. Lo completan Camila Tinoco, Isla y Ramírez. Perea insiste en que la curaduría de esta edición «no responde a una sola voz». Su parte estuvo en la revisión y selección de artistas y en pensar cómo podían convivir prácticas muy distintas en una misma sala. También reconoce lo que casi nunca se ve: son los fundadores quienes llevan las riendas del proyecto y quienes se encargan de recibir, distribuir, montar y cuidar las obras.
Su manera de evitar que el salón sea una acumulación es aceptarlo como lo que es.
«Un salón no necesariamente tiene que producir una lectura lineal», explica.
Puede funcionar como una constelación, con obras que dialogan, otras que se contradicen y otras que parecen estar solas hasta que alguien encuentra una relación inesperada. En una exposición así, dice, el discurso está también «en los intervalos entre ellas».
La palabra «corte» tiene para él el mismo sentido. Un corte, dice, nunca representa la totalidad de algo: es una sección, un momento, una manera de atravesar un cuerpo para ver qué ocurre adentro. Nadie en Filo afirma que esto sea el arte contemporáneo mexicano. Lo que propone el Tercer Corte, según Perea, es mostrar no una respuesta, sino el estado de una conversación. Hay pintura junto a prácticas textiles, escultura, fotografía, dibujo e instalación, y artistas de trayectorias muy distintas conviven sin jerarquía.
El lugar tampoco se disimula. Es un piso de concreto dentro de un complejo comercial, y para el curador sería un error fingir lo contrario. Esa condición, dice, también puede ser parte de la experiencia. Donde sí marca un límite es con la presencia de marcas aliadas en la sala: la arquitectura, la producción o los patrocinadores nunca deben subordinar la obra.
«Para mí debe existir siempre una jerarquía muy clara: primero está la obra.» Si una activación o una decisión de montaje empieza a competir con ella, dice, hay que detenerse y preguntarse para qué se hace una exposición.
Sobre el mercado habla con la misma claridad. Los artistas necesitan vender para seguir produciendo, y comprar una obra es una forma concreta de acompañar una práctica. Pero no mide el éxito curatorial solo en porcentajes de venta. Para él, el Tercer Corte habrá funcionado si genera circulación de obras, de artistas, de conversaciones y de nuevas relaciones. «Una feria o un salón duran unas semanas. Una escena artística se construye con las relaciones que sobreviven después.»
El salón por dentro
FILO nació como una idea para abrir una tienda de arte. Cuando el local no se concretó, Isla y Ramírez montaron una exposición en una antigua casa del Centro Histórico de Querétaro y la primera muestra estuvo lista en un mes. Retomaron el formato de los salones de arte de París y se quedaron con él. Reconocen que por su modelo de venta también funciona como feria, pero dicen que en el salón encontraron una forma propia.
Esta edición cambió la manera de elegir. Por primera vez hubo convocatoria abierta, con 355 postulaciones y 100 artistas seleccionados, y el comité invitó a otros 80. Entre los participantes están Jordi Boldó, Bruno Berthier, Andrea Bores, María Naidich y Sandra Blow, fotógrafa queer mexicana cuya obra forma parte de la colección permanente del MoMA. La sección Bordes tiene curaduría independiente de Tonatiuh López y Selma Guisande.
Los artistas no pagan por participar. Cuando hay venta, 60% es para el artista y 40% para FILO. Los patrocinadores aportan cerca de 10%, y el resto sale de la venta de obra, productos y boletos.
Datos
Filo, Tercer Corte
Hasta el 8 de noviembre de 2026
Álamos Lifestyle Center by Kiva, 6.º piso
Av. Industrialización 7, Álamos 2.ª Sección, Querétaro
Artists’ Container
La exposición Helen reúne arte, arquitectura y naturaleza para recuperar la historia de una de las casas más singulares de México y de las mujeres que formaron parte de ella.
Hay casas que desaparecen físicamente, pero permanecen en la memoria. Es el caso de la Casa Cueva, una de las construcciones más extraordinarias del arquitecto mexicano Juan O’Gorman, que ahora sirve de inspiración para Helen, la nueva exposición del artista español Álvaro Urbano (Madrid, 1983), que se presentará en el Museo Jumex del 16 de octubre de 2026 al 7 de febrero de 2027.
Construida a mediados del siglo XX en el Pedregal de San Ángel, la Casa Cueva fue hogar de O’Gorman y de su esposa, Helen Fowler O’Gorman, artista apasionada por la botánica y la diversidad vegetal del centro de México. Su interés quedó plasmado en el libro Plantas y flores de México, publicado en español en 1963, una obra que combina ilustraciones de plantas con observaciones sobre su relación con las personas.
A partir de estas referencias, Urbano propone una experiencia inmersiva que recupera la atmósfera de aquella vivienda y su jardín. En lugar de reconstruir literalmente la casa, el artista utiliza recursos del teatro, el cine y la instalación para imaginar los espacios, las historias y las distintas vidas que dejaron huella en ella.
La exposición también incorpora referencias a los característicos murales de piedra de Juan O’Gorman y a las transformaciones que posteriormente realizó en el terreno la escultora Helen Escobedo, quien también habitó el lugar.
Uno de los aspectos más interesantes de la propuesta es la manera en que relaciona la arquitectura con la naturaleza. Las plantas dejan de ser elementos decorativos para convertirse en protagonistas de una historia donde el tiempo, la memoria y la intervención humana conviven.
Con Helen, Álvaro Urbano invita a descubrir una faceta menos conocida del patrimonio arquitectónico mexicano, pero también a reflexionar sobre lo que permanece de un espacio cuando su estructura ha desaparecido.
La exposición propone una manera distinta de acercarse al arte contemporáneo: no solamente a través de las obras, sino de los ambientes que construyen y las historias que permiten recuperar.
Álvaro Urbano: Helen
Museo Jumex, Ciudad de México
Del 16 de octubre de 2026 al 7 de febrero de 2027
Miguel de Cervantes Saavedra 303, colonia Granada, CDMX.
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