ART & CULTURE
Frágil II: el arte que transforma la vulnerabilidad en un lenguaje universal
Por: Artists Container
En tiempos donde las fronteras suelen definirse por discursos políticos, el arte continúa demostrando que existen otros caminos para conectar territorios. Frágil II, la nueva propuesta curatorial de Luis Manuel Perea Espinosa, llega a Houston para construir precisamente ese puente: uno donde la memoria, el cuerpo y la identidad dialogan desde la sensibilidad antes que desde las diferencias.
Hasta el 9 de agosto, RUBY Projects, espacio independiente ubicado en el Museum District de Houston. La muestra reúne a dieciocho artistas provenientes de México, Argentina, Chile, India y Estados Unidos. Más que una exposición colectiva, Frágil II plantea una conversación internacional sobre aquello que nos une como seres humanos: nuestra inevitable condición de fragilidad.
La exposición representa la segunda edición de un proyecto iniciado por Perea Espinosa en la Ciudad de México a principios de este año, consolidando una plataforma que entiende el arte contemporáneo como un espacio para reflexionar sobre las heridas individuales y colectivas, el desplazamiento, la memoria y las múltiples formas de resistencia.
Lejos de concebir la vulnerabilidad como una debilidad, el curador propone entenderla como un punto de encuentro. El cuerpo deja de ser únicamente una presencia física para convertirse en archivo, territorio y testimonio de experiencias que atraviesan generaciones, geografías y contextos sociales.
Uno de los ejes más contundentes de la exposición aparece en la obra de Anjan Sundaram, periodista y artista cuya trayectoria ha estado marcada por la cobertura de conflictos internacionales. Sus piezas incorporan prendas utilizadas en zonas de guerra y rastros de su propia corporalidad, convirtiendo el cuerpo del testigo en un depósito de memorias difíciles de nombrar. La experiencia periodística encuentra así una segunda vida dentro del lenguaje artístico.
La dimensión autobiográfica también atraviesa el trabajo de Marian Rodríguez, artista afromexicana y becaria Fulbright en Parsons School of Design. Su práctica explora las raíces afrocaribeñas, la religión católica y las historias heredadas por su familia para cuestionar cómo la identidad se transforma cuando cambia el territorio desde el cual es observada.
Su obra dialoga con la experiencia del desplazamiento, un tema que también atraviesa las propuestas de Valentina Guerrero, originaria de Chile y radicada en la Ciudad de México, así como de la artista argentina Corina Bistritsky, quien ha desarrollado su práctica artística en México desde 2022. En todas ellas, el exilio deja de ser únicamente una condición geográfica para convertirse en una experiencia emocional y cultural.
La exposición encuentra otro de sus momentos más poderosos en el trabajo de Andu Franco, quien utiliza la tradición de la escaramuza mexicana para cuestionar las estructuras de género que históricamente han definido quién puede ocupar determinados espacios. Su pieza Charræ transforma un símbolo profundamente arraigado en la cultura ecuestre mexicana en una reflexión sobre identidad, pertenencia y libertad, incorporando incluso las marcas físicas de una lesión cervical como parte del discurso artístico.
Desde otro lenguaje, Jashira Sandoval propone una experiencia participativa donde el cuerpo deja de ser únicamente objeto de representación para convertirse en protagonista de la obra. Sus esculturas realizadas con chocolate y azúcar invitan al público a consumirlas, evidenciando las contradicciones que existen detrás de materiales asociados tanto al placer como a los procesos históricos de explotación y colonialismo.
La fragilidad también se manifiesta en la ausencia. La artista yucateca Gladys Méndez construye paisajes emocionales donde la nostalgia y la memoria familiar dialogan con cuerpos incompletos que parecen esperar la intervención de quien observa. Sus piezas recuerdan que existen heridas que no buscan cerrarse, sino permanecer visibles como parte de la experiencia humana.
Ese mismo cuestionamiento sobre la idea de sanar aparece en las obras de Fernando Polidura y Natalia Marmolejo, cuyas investigaciones parten de la corporalidad, el bienestar y la identidad para desmontar la noción de que toda cicatriz debe desaparecer. En Frágil II, la sanación deja de entenderse como una meta definitiva y se convierte en un proceso continuo de convivencia con aquello que permanece.
La muestra se completa con la participación de Annie Flores, Fernanda Ballesteros, Fernanda Carri, Fernanda Téllez, Rodrigo Palma, Serena Creciente (Samantha Lomelín), Samantha Michell, Sage Vousé y Will Maxen, artistas que, desde disciplinas como la pintura, la fotografía, la escultura y la instalación, enriquecen una narrativa colectiva donde cada obra amplía las posibilidades de entender el cuerpo como espacio de memoria, identidad y transformación.
Para Luis Manuel Perea Espinosa, trasladar Frágil II a Houston no responde únicamente al interés de internacionalizar una exposición mexicana. La intención es generar un intercambio sostenido entre dos escenas culturales que pocas veces dialogan desde la horizontalidad. La ciudad texana, marcada por su diversidad y por la fuerte presencia de comunidades latinoamericanas, se convierte así en un escenario ideal para abrir nuevas conversaciones entre artistas, instituciones y públicos de ambos países.
Más allá de su recorrido museográfico, Frágil II propone una pregunta que atraviesa toda la exposición: ¿qué ocurre cuando dejamos de ocultar nuestras fracturas y comenzamos a reconocerlas como parte esencial de nuestra identidad?
Quizá ahí reside la mayor fortaleza de esta muestra. En recordarnos que la fragilidad no es el opuesto de la fuerza, sino una de sus formas más profundas.
Frágil II podrá visitarse en RUBY Projects, ubicado en el Museum District de Houston, Texas, consolidándose como uno de los proyectos curatoriales latinoamericanos más relevantes del verano por su capacidad para tender puentes entre culturas a través del arte contemporáneo.
Artists Container
El 22 de agosto, Roma Sur participó como parte de Circuitos ZⓈONAMACO. Esa misma fecha marcó la inauguración del espacio en su formato actual, y desde entonces permanece abierto al público
Después de más de veinte años operando Jovian Fine Art en Puerto Vallarta, José Villavicencio Anaya —conocido en el medio como Jovian— decidió cerrar ese capítulo por completo en lugar de replicarlo en Ciudad de México. No abrió una segunda sede. Abrió otra cosa: Roma Sur Proyectos Curatoriales, un espacio que deliberadamente no lleva su nombre ni la palabra «galería».
La decisión no fue accidental.
«Quitar mi nombre fue completamente deliberado. Yo quería que el espacio tuviera una identidad independiente de mí como artista», explica Jovian, quien empezó su carrera como galerista y gerente antes de producir obra propia.
Ese tránsito, dice, nunca se sintió como un cambio de oficio:
«Seguía haciendo lo que había hecho durante años, que era relacionarme con el arte, solamente que ahora también lo hacía desde otro lugar.»
Cerrar Jovian Fine Art en Vallarta implicó renunciar a dos décadas de clientela, reputación y red construida. En Ciudad de México, admite, «prácticamente vuelvo a empezar.» Pero ahí mismo encuentra el atractivo del cambio:
«Aquí la conversación alrededor del arte es mucho más amplia. Hay artistas, galerías, museos, curadores, coleccionistas y espacios independientes conviviendo todo el tiempo.»
Tampoco quiso llegar a competir con la escena ya consolidada de la colonia —OMR, Terreno Baldío, Nordenhake—. Al contrario, ve su tamaño reducido como ventaja:
«Me permite experimentar, cambiar rápidamente y hacer proyectos muy específicos sin tener que sostener la estructura de una galería mucho más grande.» Y añade algo que funciona casi como manifiesto:
«No necesitamos más espacios haciendo exactamente lo mismo. Necesitamos lugares con escalas, intereses y maneras de trabajar diferentes.»
El nombre —Proyectos Curatoriales, no galería— tampoco es cosmético. Jovian insiste en que no se trata de renunciar al mercado:
«No significa abandonar el mercado. La obra puede estar a la venta y el espacio puede seguir desarrollando relaciones con coleccionistas.» Lo que cambia es el orden de las prioridades:
«Quiero que primero esté el proyecto y después encontremos la estructura necesaria para hacerlo posible.»
Esa lógica ya se puso a prueba en la segunda muestra del espacio, que reúne dos proyectos independientes sin pretender unificarlos bajo un tema común. Uno es La Membrana, colaboración con Kevin Artavia construida bajo una regla estricta: Jovian pinta cada pieza hasta un 50 por ciento y Kevin Artavia completa el resto desde su propio lenguaje, sin acuerdo previo. El resultado sorprendió al propio Jovian.
«Durante mi parte del proceso aparecieron estos hombres dentro de burbujas… Empecé a percibir a esos personajes como hombres encerrados y la sensación me resultó angustiante.»
Le pidió entonces a Artavia que los liberara en su mitad del proceso, y así ocurrió: figuras y animales que rompen o atraviesan esas membranas.
El segundo proyecto, Gráfica del Cuerpo de Lucía Maya, parte de una investigación de más de quince años basada en el escaneo del propio cuerpo de la artista. Jovian no buscó un hilo temático artificial entre ambos proyectos: «No me interesa reunir artistas solamente porque sus obras se vean bien juntas. Me interesa que cada proyecto tenga algo que decir y una razón para estar en el espacio.»
Sobre el futuro de Roma Sur, Jovian evita comprometerse con una fórmula fija.
«No quiero que se convierta en una fórmula. Habrá exposiciones colectivas, proyectos individuales, colaboraciones y probablemente formatos que irán apareciendo conforme evolucione el espacio.»
Lo que sí quiere sostener es una relación de largo plazo con el público, más allá del circuito de inauguración:
«Quiero que exista una razón para regresar a Roma Sur… Me interesa más construir una comunidad alrededor del espacio que acumular visitantes.»
Artists’ Container
Que el juego sea condición y no accesorio de lo humano es la premisa que sostiene TRAZOS Y JUGUETES, la muestra que el Museo de Arte Popular presenta en su Sala Pieza del Mes a partir de este sábado 8 de agosto y hasta el 27 de septiembre. La exposición reúne una carpeta de obra gráfica —grabado en metal, realizado en el Taller Tokio— firmada por siete artistas: Boris Viskin, Roberto Turnbull, Germán Venegas, Edgar Soberón, Diego Madrazo, José Luis Sánchez Rul y Octavio Moctezuma. Cada uno aporta su lenguaje propio a un mismo territorio simbólico: el del juguete mexicano como forma de identidad y espíritu lúdico.
El curador Rafael Alfonso Pérez y Pérez ancla el proyecto en el concepto de Homo ludens, acuñado en 1938 por el historiador neerlandés Johan Huizinga: la idea de que el juego no es actividad marginal ni frívola, sino fuerza estructurante de la cultura, motor de los actos creativos y de la organización social misma. Bajo esa lente, el juguete deja de ser objeto menor de la infancia para leerse como artefacto cultural con genealogía milenaria. La curaduría lo respalda con evidencia arqueológica de peso: figuras de arcilla con ruedas en el Valle del Indo hace más de 4000 años, juguetes fenicios distribuidos por el Mediterráneo hace 3000, tallas en miniatura del Paleolítico y el Neolítico, recipientes cerámicos de más de 5000 años usados para alimentar bebés. El recorrido no busca solo ilustrar antigüedad, sino establecer que ninguna cultura ha existido sin actitud lúdica.
Ese marco conceptual encuentra su correlato más específico en el arte popular mexicano, donde el juguete artesanal funciona como símbolo cohesionador y vehículo de continuidad: técnicas tradicionales y materiales autóctonos que permiten a los artesanos transmitir cosmovisiones de generación en generación. Al traducir ese universo al grabado en metal, los siete participantes de Taller Tokio no ilustran el juguete desde fuera, sino que lo procesan como materia gráfica propia, cada estilo dialogando con la identidad lúdica que la muestra reivindica.
TRAZOS Y JUGUETES puede verse de martes a domingo, de 10:00 a 18:00 horas, en la sede del MAP (Revillagigedo 11, entrada por Independencia, Centro Histórico). La entrada es gratuita los domingos; el resto de la semana tiene un costo de 60 pesos, con exención para menores de 18 años, personas con discapacidad, adultos mayores con credencial INAPAM, y estudiantes y maestros con credencial vigente.
